Les chroniques BD de Dix-Sept: juillet 2018

vendredi 27 juillet 2018

RATTRAPAGE ESTIVAL

Mattéo : quatrième époque
Ar-Men : L'enfer des enfers
Le joueur d’échecs
Les cent nuits de Héro

Les vacances d’été – à l’ombre, sur une terrasse, face à la mer - constituent une occasion propice pour récupérer un retard accumulé durant un semestre (ou plus !) ou pour apprécier pleinement certains albums.

Sur la table-basse attendent le dernier Mattéo, Ar-Men, Le joueur d’échecs de Sala et Les cent nuits de Héro. Des albums qui demandent une relative concentration !

Avec Quatrième époque, le soleil de la Catalogne illumine les planches d’un Jean-Pierre Gibrat au sommet de son art. Mais curieuse impression que celle de voir cette guerre traitée avec une telle débauche de couleurs et de joie de vivre. L’époque est sombre, mais le traitement graphique est joyeux et les dialogues traduisent une anachronique insouciance face à des évènements qui deviendront la répétition de la Seconde Guerre mondiale. In fine Gibrat traite la Guerre d’Espagne avec une désinvolture (ou avec un fatalisme désabusé) qui siérait mieux aux premiers congés payés de 36, Toutefois comment ne pas être séduit par un Mattéo qui prend (enfin) sa vie en main et ces femmes plus fortes que bien des hommes.

Sur un registre tout autre, Ar-Men : l'enfer des enfers offre un passionnant récit de mer comme seul Emmanuel Lepage sait les dessiner. À travers le destin de ceux qui le construisirent et dont certains en furent les gardiens, il évoque avec profondeur, justesse et humilité un lieu mythique pour les bretons et de désolation pour les marins. Dieu que la Bretagne est belle et Ar-Men fascinant. Histoire de mer et de ses fortunes diverses, récit d’hommes (et de femmes) accroché(e)s à leur rocher, journal intime d'hommes blessés par la vie, cet album est de ceux qui vous font voir nombre de choses sous un angle différent et prendre conscience que certains grands destins se forgent dans le quotidien.

Troisième album, celui de David Sala. Le joueur d’échecs, d’après Stefan Zweig, trouve ici une mise en dessin à sa hauteur. Avec sa mise en couleurs directe , sans aucun encrage, l’illustrateur strasbourgeois transpose magistralement cette œuvre en recourant à des métaphores graphiques des plus subtiles. La folie, l’angoisse, la peur, mais également la suffisance, l’indifférence et une large palette de sentiments humains transparaissent à travers un graphisme et des couleurs qui ne peuvent laisser indifférents. D’aucuns invoqueront les maîtres autrichiens du siècle dernier, plus modestement, il faut peut-être voir là un récit qui a profondément inspiré David Sala !

Enfin l’onirique Les cent nuits de Héro d’Isabel Greenberg dont la (fausse) naïveté et la complexité du graphisme viennent donner corps à une variation des milles et une nuits où il est question (entre autres) d’intolérance à la différence. Sur un encrage appuyé et un choix limité de couleurs pour en rehausser l’intensité, la jeune dessinatrice anglaise n’hésite à recourir à des dialogues d’un savoureux anachronisme mais qui font la transition entre ces histoires d’un temps imaginé et la réalité. N’hésitant pas à casser les codes du conte traditionnel pour servir son propos, les Cent nuits de Héro est un album militant mais qui sait dire les choses joliment !

Bien évidemment, la lecture de ces quatre albums - représentatifs de la variété des genres et des styles qui ont cependant en commun leur grande qualité - est chaudement recommandée.

PROMETHEE

16. Dissidence
17. Le spartiate

La Terre panse ses plaies et les différents groupes de survivants errent dans les méandres de l’espace et du temps vers une finalité difficile à cerner.

Christophe Bec à l’art de faire durer le plaisir, enfin si l’attente est un plaisir !

Au fil de cette saga apocalyptique graphiquement maitrisée par Stephano Raffaele, le cours de ce récit choral devient impossible à résumer. Il semblerait cependant que si les extra-terrestres ont ravagé la Terre, tous ne veulent pas pour autant éradiquer l’espèce humaine. Toutefois, la structuration de l’album, en séquences appartenant à plusieurs développements s’avère à la longue frustrante même si ces dernières sont agencées avec efficacité. Soap technologique par excellence, la lecture d’un album de Prométhée ne peut se concevoir que par rapport à celui qui le précède, d’où l’intérêt de les lire par deux ! Si au bout du dix-septième volet la série engage un tournant, seul Christophe Bec doit aujourd’hui s’y retrouver et nul ne sait vraiment en combien d’opus pourrait se conclure cette histoire !

La suite avec La théorie du grain de sable.

ARTEMISIA

Artemisia Gentileshi, un nom aujourd’hui oublié, mais que Nathalie Ferlut et Tamia Baudouin font revivre et redécouvrir.

Femme en un temps où cela ne signifiait pas grand-chose, cette artiste réussit le tour de force d’entrer à l’Accademia degli Arti del Disegno de Florence gagnant ainsi le droit d’acheter ses couleurs et ses toiles, mais avant tout de vivre de son art. Esprit indépendant, marquée dans sa chair par son époque, elle exprima dans sa peinture toute la révolte qui bouillait en elle et qui fit d’elle l’égale des plus grands. Avec cette autobiographie, les deux auteures rendent hommage - de belle manière - à une femme en avance - à bien des égards - sur son époque. Prenant résolument parti, ce récit s’attache essentiellement aux premières années d’Artemisia, celles qui la façonnèrent. Il est alors surtout question, de sa relation tumultueuse avec un père qui ne vivait qu’à travers la Peinture, de son viol et du procès qui s’en suivi, de sa difficile émancipation à être admise en tant que femme et artiste. En racontant, cette destinée hors normes au travers de ceux qui en furent les témoins, Nathalie Ferlut livre un scénario fluide sur lequel Tamia Baudouin développe un parti graphique atypique qui confère à ce one-shot une dimension picturale totalement en osmose avec le sujet.

Artemisia resta longtemps dans l’ombre artistique d’un père où beaucoup se sont complu à la contraindre. Il n’est que justice qu’elle soit aujourd’hui reconnue pour elle-même et cet album y contribue à sa modeste façon.

IL FAUT FLINGUER RAMIREZ

1. Acte 1

Un exécuteur des basses œuvres aussi mystérieux que fantomatique, un technicien qui aspire à une vie tranquille, une équipée à la Thelma et Louise et une armada de sales gueules fiers tels des coq et cons comme des coyotes, voici résumé en quelques mots ce premier opus de Il faut flinguer Ramirez. Ajoutons à cela - pour faire bonne mesure - un trait net, précis où chaque chose est à sa place, un découpage au cutter qui ne laisse de répit à personne, le tout porté par une mise en couleurs qui rendrait hystérique une congrégation de religieuses.

Sans vouloir faire dans le dithyrambique, il faut se rendre à l’évidence : certains sont vraiment plus doués que la moyenne…

dimanche 8 juillet 2018

LE CHANT DES STYGES

18. Mythes

Les Stryges se sont tus et l’unique rescapé de l’holocauste planétaire murmure à l’oreille d’une Humanité moribonde les premières notes de sa résurrection…

Ainsi Mythes clôt une série créée en 1997 et portée depuis par les mélopées d’Éric Corbeyran et les glyphes de Richard Guérineau. Qu’ils en soient remerciés !

La légende veut que le pitch fondateur de cette épopée éditoriale leur fût inspiré par un certain Peter McKenzie – à moins que ce ne soit par quelques stryges parisiennes ? - lors d’une déambulation nocturne. Quoi qu’il en soit, la fin du précédant millénaire était une époque euphorique, et il fallait l’être pour s’imaginer pouvoir réaliser une saga en trois cycles de six albums chacun avec une idée qui tenait en une ligne : tapies dans l’ombre, des créatures venues de la nuit des temps imposent leur volonté aux Hommes. L’affaire fut cependant conclue avec les éditions Delcourt et les années suivantes firent fleurir quatre spin-off, capitalisant ainsi sur la cosmogonie des stryges et rentabilisant par la même un investissement pour le moins risqué au départ.

Ces considérations mercantiles passées, qu’en est-il - succinctement - de l’œuvre elle-même et de ce qu’elle laissera à la postérité ?

Si le travail de Richard Guérineau était à résumer brièvement, il faudrait d’abord évoquer l’approche très cinématographique de son dessin et le recours aux plans serrés comme aux mouvements de « caméra » tournant autour de ces personnages et amplifiant ainsi la cinématique de chaque planche. Autre point notable, la transformation du trait au fil des saisons qui en a certainement déstabilisé plus d’un. La comparaison entre Ombres et Mythes met en évidence un changement pour le moins radical, mais logique sur la durée et surtout en adéquation avec les évolutions voulues par Éric Corbeyran au cours des trois « saisons ». Progressivement, la série est passée d’une variation à la X Files au road-movie psychotique, laissant probablement sur le bord de la route nombre d’afficionados de la première heure. Toutefois, même si le dix-huitième album peut sembler être là pour faire le nombre, il convient de reconnaître une constance de la ligne narrative sur le long terme qui malgré quelques égarements sanglants sur le dernier tiers reste globalement de bonne facture et la marque du talent.

Au gré des albums, Le chant des Stryges a plu ou déçu, mais demeure emblématique d’une manière révolue de concevoir une série BD. Désormais, l’avenir des Stryges s’inscrit dans la poussière de nos bibliothèques. Qu’ils y reposent en paix !

LA MORT AUX YEUX DE CRISTAL

Déroutant album que La mort aux yeux de cristal. Thriller psychologique ? Peut-être ! Récit horrifique ? À l’évidence ! Conte érotique ? Si peu ! Réflexion sociétale ? Un peu ! Métaphore sur la commercialisation de l’apparence et les turpitudes intérieures ? Certes ! Mais encore ?

À l’image de la postface, le propos de Lancelot Hammelin s’avère difficile à cerner. Trop de sujets s’entrecroisent et conduisent à une confusion préjudiciable à la compréhension d’une histoire qui bien que s’inspirant des gialli italiens ne permet d’en saisir ni les spécificités, ni les particularités. Parallèlement et avec un certain mimétisme, le dessin d’Étienne Oburie prend le parti de subtilités graphiques dont l’évidence peine à faire sens et ne s’attache curieusement pas - au regard de la thématique générale - à l’apparence des choses comme le fait Guillem March sur Monika.

Finalement, Lancelot Hammelin et Étienne Oburie n’auraient-ils pas dû limiter leurs ambitions et rester sur un registre plus classique, mais mieux exploité ? La question se pose !